성지영의 작품을 처음 본 것은 지금으로부터 10년쯤 전의 일이다. 추상화였지만 그려진 선과 색채 그리고 그 조화가 내 마음에 울림을 주는 것이 그리 많지 않았다. 그런데 이번에 2023년 이후의 그녀의 작품들을 보고 깜짝 놀랐다. 기술적인 향상과 더불어 지금까지는 없었던 정신성을 작품 속에서 느꼈던 것이다.

AI를 비롯한 과학 기술의 진보는 그 끝을 모르는 듯하다. 하지만 인류의 정신성이나 영성은 테크놀로지의 진보에 비해 한참 뒤처져 있다. 그 점이 현대 사회가 안고 있는 문제의 원인이다. 내적 성장이 외적 기술의 향상을 뒷받침하는 것이 이상적이어야 하는데 말이다. 그런 의미에서 성지영의 작품은 건전하다.

그녀의 작품 제목이기도 한 '유무상생(有無相生)'은 원래 노자(老子)에 나오는 말로 '유(존재하는 것)'와 '무(존재하지 않는 것)'는 서로 상대적이며 보완해 줌으로써 비로소 성립한다는 의미를 담고 있다. 세상만사는 예컨대 빛과 그림자, 높고 낮음, 아름다움과 추함, 선과 악처럼 모두 상대적으로 존재한다. 절대적인 것은 없다. 노자는 이 사실을 보여주며 집착을 버리고 있는 그대로 살아가는 것의 중요성을 설파하고 있다.

회화의 미는 한편으로 '유무상생(有無相生)'에 있다고 해도 과언이 아니다.수묵화에서의 여백이나 농담(濃淡) 등도 그러하다. 또한 ‘유무상생’이라는 말에는 포용력이 느껴진다. 이를 화폭에 담아내고자 할 때 성지영이 그리는 '원(円)'이라는 형상은 더할 나위 없이 적절하다. 예를 들어 시간이라는 것은 3차원 공간을 살아가는 우리에게는 과거에서 현재, 그리고 미래로 직선형태로 흘러가는 것처럼 인식된다. 하지만 최첨단 물리학에 따르면 시간은 지금 이 순간에 모두 존재하고 있다고 한다. 즉 '시작도 없고 끝도 없는 것' 그것이 바로 시간이다. 이를 형상화하면 '원'이 된다. 원은 더 나아가 '영원·무한'에서 '평화·깨달음'이라는 개념에까지 이어진다.

성지영의 작품을 살펴보자. 크고 작은 원형이 중층적으로 반복되어 그려져 있으며 유사색 또는 대조적인 색채를 띤 물감의 농담과 배치에 의해 공간적인 묘미가 자아내진다. 우주적인 깊이와 확장을 의도한 것일까. 실제 우주는 무수한 별들이 저마다의 중력으로 서로의 위치를 떠받치며 조화롭게 존재하고 있다. 또한 우리가 밤하늘을 올려다볼 때 별들은 정지해 있는 것처럼 보이지만 시선을 우주적인 규모로 확대하면 실제로는 태양계부터 우주 전체에 이르기까지 원형의 장대한 움직임을 품고 있다. 성지영의 회화에서도 움직임이 느껴진다. 다만 그것은 우주적인 광활함과 동시에 정반대인 극소(極小)의 세포들이 집합하여 꿈틀거리는 것 같기도 하다.우주의 운행과 생물 내면에 숨 쉬는 ‘생명의 고동’은 동조하고 있는 것일지도 모른다.

성지영의 작품에는 2024~25년부터 크고 작은 무수한 원형으로 이루어진 추상적 우주 속에 '꽃'이나 '새' 같은 구상적인 이미지가 나타나고 있다. 그 중에서도 블루 유사색의 원 안에 소박한 형상의 새가 떠 있는 것을 보면 그것이 작가의 유년 시절 기억 저편 깊은 곳에서 형성된 조형이 아닐까 하는 생각이 든다. 이 새에게서는 어딘지 모르게 사랑스러움이 느껴지기 때문이다.

'미'는 '사랑'이다. 예컨대 고흐의 작품에 왜 전 세계 사람들이 매료되는 것일까. 그것은 고흐 그림의 '미' 내면에서 진동하는 고차원적인 '사랑'의 에너지를 사람들이 감지해 내기 때문이다.

나는 아트딜러로서 약 35년 동안 수많은 작가와 만나고 회화 전시 판매 현장에 함께해 왔다. 그림을 산다는 행위는 미술관에서 명화를 감상하는 것보다 어떤 의미에서는 더욱 치열하게 작품과 마주하게 된다. 바로 그 현장에서의 이야기다. 그림을 보며 오열하며 우는 사람들을 몇 명이나 보아왔다. 그 사람들에게 "왜 울고 계시나요?"라고 물으면 하나같이 "모르겠다"고 답한다. 왜 모르는 것일까. 그것은 그 사람의 표면으로 드러난 의식이 아니라 잠재의식이 반응하고 있기 때문이다. 잠재의식에 어떤 정보가 있는지는 스스로 알지 못한다. 그저 개인의 삶에 축적된 희노애락(喜怒哀樂)의 무언 가가 마주했을 뿐이다. 즉 울고 있는 것은 잊혀진 기억에 대한 카타르시스(감정 정화)가 일어나고 있는 현상이다. 그렇다면 그 정화를 일으킨 힘은 무엇인가. 회화의 '미'의 에너지를 통해 촉발되어 터져 나온 그 사람 자신의 '사랑'이라는 동질의 에너지인 것이다.

끝으로 일본의 작고(作故) 서양화가인 히라노 료（平野遼）의 말을 소개해 보겠다. '어둠을 통과하지 않은 빛은 진짜 빛이 아니다'…… 히라노는 인물 등의 구상화도 그렸지만 칠흑 같은 어둠을 연상시키는 깊은 군청색 속에 빛이 달리는 듯한 추상화를 그리기도 했다. 예컨대 '빛'이라는 단어를 '희망'으로 바꾼다면 '어둠'은 '절망'이 된다. 하지만 진짜 희망은 절망을 경험해야만 비로소 태어난다는 것이다. '어둠'은 '빛'의 온상인 셈이다. 사랑도 마찬가지다. 고난과 불안 그리고 절망을 통과한 사랑이야말로 분명 진짜임에 틀림없다. 사랑 역시, 유무상생.

성지영의 작품 앞에서 눈물 흘리는 사람이 있었는지 없었는지는 알지 못한다. 또한 그녀가 어떤 삶을 살아왔는지 나는 잘 모른다. 하지만 그녀의 작품 속에서 어린 시절 그녀가 받았던 확고한 사랑이 존재함을 느낀다. 그 사랑이 바탕이 되어 그녀가 인생에서 다양하게 맛본 감정들이 숙성되었다. 그리고 무의식의 심연으로부터 흘러 넘쳐 자연스레 무수한 원 속에 칠해져 녹아 있는 것이다. 파란 새를 비롯한 구상적 사물들이 이를 우리에게 알기 쉽게 보여주고 있다.

成支榮（ソン・ジヨン）の作品を初めて見たのは今から10年ほど前のことである。抽象画だが、描かれた線描や色彩やその調和が私の心に働きかけてくるものはあまり無かった。ところが今回2023年以降の彼女の作品を見て驚いた。技術的な向上とともに、これまでには無い精神性を作品の中に感じたのである。

AIをはじめとする科学技術の進歩はとどまることを知らない。しかしながら人類の精神性や霊性はテクノロジーの進歩に比べて遥か遠くに取り残されている。それが現代が抱える問題の原因だ。内的成長が外的技術の向上を支えていることが理想のはずなのに。その意味でソン・ジヨンの作品は健全だ。

彼女の作品のタイトルとなっている「有無相生」は、もともと『老子』の言葉で、「有（存在するもの）」と「無（存在しないもの）」は、互いに相対し、補い合うことで初めて成り立つといった意味がある。世の中の物事は、たとえば光と影・高低・美醜・善悪のようにすべて相対的に存在する。絶対的なものではない。老子はこの事実を示して、こだわりを捨ててありのままに生きる大切さを説いている。

絵画の美は、一つには「有無相生」にあると言っても過言ではない。水墨画における余白や濃淡などもそうだ。また「有無相生」という言葉には包容力がある。それを絵にあらわそうとすれば、ソン・ジヨンの描く「円」という形状はこのうえなく相応しい。たとえば時間というものは、三次元空間に存在する我々にとっては、過去から現在・未来へと直線的に流れているように認識される。しかし最先端の物理学によれば、時間はいまこの一瞬にすべて存在しているのだという。つまり「始まりもなく終わりもない」それが時間である。それを形状にすると「円」になる。円はさらに「永遠・無限」から「平和・悟り」といった概念にまでつながる。

ソン・ジヨンの作品を見てみよう。大小の円形が重層的に反復して描かれており、同系色あるいは対照的な色彩の絵の具の濃淡と配置によって、空間的な妙味が醸し出されている。宇宙的な奥行きと広がりを意図しているのだろうか。実際の宇宙は、無数の星々がそれぞれの重力によって互いの位置を支えあい調和して存在している。また、我々が夜空を見上げるときに星々は静止しているように見えるが、視点を宇宙的な規模に拡大すると、実際には太陽系から宇宙全体に至るまで円形の壮大な動きを有している。ソン・ジヨンの絵画にも動きを感じる。ただしそれは宇宙的な広がりと同時に、正反対の極小の細胞が集合してうごめいているようでもある。宇宙の運行と生物の内側に息づく「生命の鼓動」は同調しているのかもしれない。

ソン・ジヨンの作品には、2024～25年から、大小無数の円形による抽象的宇宙の中に「花」や「鳥」などの具象的なイメージが現れている。中でもブルーの同系色の円の中に素朴な形状の鳥が浮かんでいるのを見ると、それが作家の幼少期の記憶の奥底から引き出された造形ではないかと感じる。この鳥にはどことなく愛らしさがあるからだ。

「美」は「愛」である。たとえばゴッホの作品になぜ世界中の人々が魅了されるのだろうか。それはゴッホの絵の「美」の内側で振動する高度な「愛」のエネルギーを人々が感じ取ってしまうからである。

私はアートディーラーとして約35年の間、数多くの作家と接し、絵画の展示販売の現場に立ち会ってきた。絵を買うという行為は、美術館で名画を鑑賞するよりもある意味で真剣に作品と関わることになる。その現場での話だ。絵を見ながら嗚咽して泣く人を何人も見てきた。その人たちに「どうして泣いているのですか？」と訊ねると、決まって「わからない」と答える。なぜわからないのか。それはその人の表面に顕れた意識ではなく潜在意識が反応しているからだ。潜在意識にどんな情報があるかは自分ではわからない。ただ個人的な人生に蓄積された悲喜交交の何かが相対したのだ。つまり、泣いているのは忘れ去られた記憶に対するカタルシス（感情浄化）が起こっている現象である。ではその浄化を引き起こした力は何か。絵画の「美」のエネルギーによって啓発されて膨らんだその人自身の「愛」という同質のエネルギーなのである。

最後に日本の洋画家・平野遼（故人）の言葉を紹介しよう。『闇を通過しない光は本物の光ではない』・・・平野は人物などの具象画も描くが、漆黒の闇を思わせる深い群青の中に光が走るような抽象画を描いた。例えば『光』という言葉を「希望」に置き換えるならば、『闇』は「絶望」となる。しかし、本物の希望は絶望を経験してこそ生まれるというのだ。『闇』は『光』の温床なのである。愛もそうだ。苦難や不安や絶望を通過した愛こそがきっと本物に違いない。愛もまた有無相生。

ソン・ジヨンの作品の前で涙する人がいたかどうかは知らない。また、彼女がどんな人生を歩んできたかを私はよく知らない。しかし、彼女の作品の中に、幼い頃に彼女が受けた確固たる愛があることを感じる。その愛が素となり、彼女が人生で様々に味わった感情が熟成され、無意識の深淵から流れ出て自ずと無数の円に塗りこめられているのである。青い鳥をはじめとする具象的事物がそれをわかりやすく我々に見せてくれている。

I first encountered the works of Seong Ji-Young about ten years ago. At the time, I found little about the lines, colors or harmony of her abstract paintings that truly resonated with me. This time, however, when I encountered the works she has created since 2023, I was genuinely surprised. Along with a remarkable maturation of technique, I sensed within these works a spiritual depth that I had not perceived in her earlier work.

Scientific and technological progress, particularly the rapid advancement of artificial intelligence, shows no sign of slowing. At the same time, humanity’s spirituality and inner life have been left far behind, lagging far behind the technological advances. This, I believe, is the very root of the problems confronting our current age. Ideally, inner growth should sustain and give meaning to our outer technological progress. In this respect, Seong Ji-Yeong’s work possesses a remarkable sense of integrity.

The title she has given her work, “有無相生”(Yu-Mu-Sang-Saeng: The Mutual Arising of Presence and Absence), is drawn from the Tao Te Ching by Lao-Tzu. It expresses the idea that “Being” (that which exists) and “Non-being” (that which does not exist) exist only in relation to one another, each complementing and giving meaning to the other. Everything in this world exists not as an absolute, but in relation to something else: light and shadow, high and low, beauty and ugliness, good and evil. By pointing to this truth, Lao-Tzu teaches the importance of letting go of our attachments and living in accordance with our true nature. 

It would not be an exaggeration to say that one source of beauty in painting resides within this very principle of coexistence expressed by Yu-Mu-Sang-Saeng: The Mutual Arising of Presence and Absence. This can be seen in use of empty spaces and subtle gradations of tone in traditional ink-wash painting, expressed just as strongly in what is left unmarked as in what has been given form on the canvas. Moreover, the phrase “有無相生”(Yu-Mu-Sang-Saeng) embodies a remarkable inclusiveness. In seeking to give this idea visual form, no shape could be more fitting than the circle employed by Soung Ji-yeong in her work. For those of us living within three-dimensional space, time appears to flow in a straight line from past to present and onward into future. Yet according to contemporary physics, all moments of time exist simultaneously in this very instant. In other words, time has “no beginning and no end.” If one were to give this idea a shape, it would be the circle. The circle naturally extends our thoughts from “eternity and infinity” to such ideas as “peace and enlightenment.” 

Turning to the paintings of Seong Ji-Yeong, we see countless circles of varying sizes assembling and repeating rhythmically across her canvases. Through layered forms and the gradation and arrangement of pigments, whether in harmonious hues or contrasting colors, a subtle spatial resonance is conjured. One cannot help but wonder whether these compositions aspire to evoke the infinite depth and expanse of the cosmos. The actual universe exists as countless stars, each supporting and harmonizing with the positions of the others through their gravitational attraction. While the stars appear motionless when viewed from the earth, a broader cosmic perspective reveals that everything from the solar system to the universe is engaged in majestic circular movement. A vivid sense of movement permeates Seong Ji-Yeong’s paintings. Yet the movement she depicts is multi-dimensional. It suggests both the immeasurable expansion of the universe and the restless congregation of microscopic cells teeming with life. Perhaps the movement of the universe and the pulse of life dwelling within living organisms are fundamentally attuned to one another.

Beginning in 2024 and continuing into 2025, figurative motifs such as flowers and birds begin to appear within the abstract universes Seong Ji-yeong creates from her innumerable large and small circles. Among them, the simple bluebird floating amid circles in shades of blue is especially evocative. This seems less an invented image than one retrieved from the deepest strata of the artist’s earliest childhood memories. Its unaffected simplicity carries an unmistakable tenderness. 

“Beauty”, after all, is another name for love. Why do people across the world find themselves so drawn to the work of Vincent van Gogh?  It is because they instinctively perceive the profound energy of love vibrating beneath the visible beauty of his art works. 

For nearly thirty-five years, as an art dealer, I have worked alongside countless artists and stood witness, time and again, to the exhibition and sale of paintings. To purchase a painting is, in a sense, to engage with a work far more seriously than one does when simply viewing a masterpiece in a museum. Throughout those years I have witnessed, more than once, people weeping openly before a single painting. Whenever I gently asked why they are crying, the answer was almost always the same: “I don’t know.” Why is there no explanation? Because it is not their conscious mind responding, but the subconscious. No one can fully know what information lies within their own subconscious, only that something accumulated across a lifetime or experiences of joy and sorrow has, in that moment, met its counterpart. In other words, what we witness in such tears is catharsis, an emotional purification triggered by long-forgotten memories. What, then, is the force bringing about that purification? It is the energy of beauty within an artwork that awakens an equivalent energy already present within the viewer, the energy of love itself. 

Let me close with the words of the Japanese Western-style painter Ryo Hirano (now deceased): “Light that has never passed through darkness is not true light.” 

Although Hirano also painted figurative artwork, he was best known for abstract paintings in which light seemed to streak through a depth of ultramarine reminiscent of pitch darkness. If we replace the word “light” with hope, then darkness naturally becomes despair. Genuine hope, thus, can only be born through the experience of despair, just as darkness is, in truth, the fertile ground from which light emerges.

Love is no different. Love that has passed through hardship, anxiety, and despair is surely the only love that can be called genuine. Love, too, is an expression of Yu-Mu-Sang-Saeng, the mutual arising of presence and absence. 

I do not know whether anyone has wept before Seong Ji-yeong’s artwork. Nor do I know well the life she has lived. Yet, within her paintings, I sense the presence of an unwavering love she received in childhood. That love, as a kind of foundation, has allowed the many emotions she has tasted across her life to ripen and mature, flowing out from the depths of the unconscious, and finding their natural expression in her countless circles. The figurative elements within her work, the bluebird chief among them, show us this, simply and clearly. 

- 5월 21일~24일 뉴욕 첼시 인더스트리얼에서 개최된 글로벌 아트페어 출품

- 노자의 ‘유무상생(有無相生)’ 철학을 튜브(원형) 형태로 시각화한 작품 공개

- 캔버스 위 비어 있음과 채워짐의 조화를 통해 내면의 평온과 치유 메시지 전달

한국의 중견 화가 성지영이 미국 뉴욕 첼시에서 동양 철학의 깊은 사유를 담은 평면 회화 작품을 선보이며 해외 관람객들과 만났다.

성지영 작가는 지난 5월 21일부터 24일까지 나흘간 미국 뉴욕 첼시 인더스트리얼(Industrial)에서 열린 글로벌 아트페어 ‘FOCUS ART FAIR NEW YORK 2026’에 참가해 대표 작을 선보였다고 밝혔다.

이번 페어에서 성지영 작가는 핵심 미학인 ‘유무상생(有無相生)’과 ‘유무상화(有無相和)’를 주제로 한 튜브(원형) 형태의 평면 회화 작품을 출품했다. 작가는 캔버스 위에서 튜브 모양 원형의 테두리를 ‘있음(有)’으로, 그 안쪽의 비어 있는 공간을 ‘없음(無)’으로 연결 지어 시각화했다. 뚫린 공간과 형태가 합쳐져 비로소 완전한 하나의 원을 이루는 화면은, 대립이 아닌 상호 의존을 통해 조화를 이루는 우주의 원리를 직관적으로 담아냈다.

물감을 겹겹이 쌓아 올린 원형의 레이어들이 만들어내는 특유의 깊이감과 투명한 층위는 현지 전시장을 찾은 미술 관계자들과 관람객들에게 고요한 평온함과 긍정적인 에너지를 전달했다.

성지영 작가에게 캔버스 위에 원형을 그리고 중첩하는 행위는 몸의 움직임과 마음의 비움이 하나가 되는 수행이자 화합의 과정이다. 작가는 오랜 시간 숙명처럼 품어온 이 조화로운 에너지의 기록들을 통해, 바쁜 현대인들에게 내면의 밸런스를 회복하는 정화의 시간을 선사하고자 한다.

뉴욕 첼시에서의 전시 일정을 마친 성지영 작가는 이번 아트페어 참가 성과를 바탕으로 앞으로도 국내외에서 활발한 작품 활동과 전시를 이어갈 예정이다.

■ 작가 소개: 성지영 (Seong Ji Yeong) 거부할 수 없는 내적 필연성에 이끌려 오랜 시간 꾸준히 붓을 잡아 온 화가다. 동양의 노자 사상을 바탕으로, 비어 있음과 채워짐이 서로 조화를 이루는 튜브(원형) 구조의 독창적인 평면 회화 세계를 구축했다. 몸과 마음이 하나 되는 수행과도 같은 붓질을 통해 캔버스 위에 맑은 에너지를 담아내며, 보는 이들에게 따뜻한 위로와 치유를 선사하고 있다.

• [첨부 이미지]

  1. 뉴욕 ‘FOCUS ART FAIR 2026’ 성지영 작가 작품 전시 전경 사진

  2. 출품작 대표 이미지 (수선화)
     
     

• [본 보도자료에 대한 문의] 성지영 (이메일: sjiyeong2020@gmail.com / 전화번호: 010-2406-6892)
  
  

• Official Website: seongjiyeongartist.com

• Instagram: @seongjiyeongartist
  
  

2026년 5월, 성지영 작가가 미국 뉴욕에서 열리는 FOCUS Art Fair New York 2026에 참여합니다.

이번 전시는 다양한 동시대 작가들과 함께,

각자의 시선과 언어로 확장된 작업 세계를 선보이는 자리입니다.

아래 전시 포스터와 함께, 현장에서 선보일 작품을 소개합니다.

In May 2026,

Seong Ji Yeong will participate in the FOCUS Art Fair in New York.

This exhibition brings together contemporary artists,

each presenting their work through distinct perspectives and visual languages.

Below, you can find the exhibition poster and a featured artwork to be presented at the fair.

Dates | 전시 일정

May 21 – 24, 2026

Venue | 전시 장소

Chelsea Industrial 535–551 W 28th St, New York, NY 10001